jueves, 15 de octubre de 2015

LAS TROSKAS . INFO CURSOS - ASESORIA DE IMAGEN - ASESORIA DE VESTUARIO -


AÑOS SESENTA UN HITO EN LA MÚSICA, ROCK , PSICODELIA, FLOWER POWER, WOODSTOCK...HIPPIES

El lujo y el glamour quedan atrás. Ahora es el turno de la extravagancia y la psicoledia.

Los 60: Rock y Psicodelia
 La cultura POP marca el camino de la moda con el uso de estampados y materiales como el plástico. Llegan las gafas grandes, de pasta y los cinturones anchos. El exitoso debut de la minifalda, de la mano de Mary Quant, es uno de los hechos claves de esta década, en lo que a moda se refiere.
Gran Bretaña desplaza a Italia y a Francia y se transforma en el centro de la movida cultural. 
El rock británico concentra la atención del resto del mundo e impone su estilo sin resistencias.
El "Mod look" arrasa. Las mujeres se demarcan los ojos con gruesas líneas negras. El cabello se usa corto o con cortes geométricos. También se usa largo con postizos. Se combinan todos los colores.
Twiggy, una cantante británica que entra de lleno en el mundo de la moda se transforma en un ícono de los 60. Su extrema delgadez deja atrás las sensuales curvas que reinaban en los 50.
En los últimos años de esta década hacen su aparición los HIPPIES. Los impulsores de este movimiento que promulga 'la paz y el amor' son los primeros en reciclar la moda y crear estilos individuales, con dibujos psicolédicos e imágenes relacionadas con los efectos de alucinógenos.
Hombres y mujeres usan los pantalones de campana (ceñidos hasta la rodilla y luego anchos). Las blusas de algodón también se imponen.
En esta década, la moda lleva las firmas de Mary Quant, André Courréges, Paco Rabanne y Elio Berhanyer.

HOY EN EL SIGLO XXI existe un revivir del MOD LOOK
Aquí les dejamos un link de lo que sucede en ESPAÑA: 
http://www.20minutos.es/noticia/1709109/0/mods/siglo/XXI/

El movimiento mod surgió en el Reino Unido y EEUU en 1960. Los mods primigenios eran chicos de clase media que vestían de forma impecable, ya que en un principio, la mayoría eran hijos de familias que se dedicaban al negocio de la sastrería, por lo que tenían acceso a las últimas tendencias en ropa que llegaban al continente europeo, y mostraban interés por las nuevas modas que llegaban del continente, tales como los trajes entallados italianos, y estilos musicales negros estadounidenses, como el modernjazz y el rhythm and blues. Está muy extendida la creencia de que tanto mods como sus rivales los rockers surgieron a partir de los Teddy boys, una subcultura que floreció en Inglaterra en los 1950s. Los Teddy boys estaban influidos por el rock n' roll estadounidense, vestían al estilo eduardino y lucían peinados de estilo tupé.
Originalmente el término mod describía a los seguidores del "modern jazz", como contraposición a trad, empleado para calificar a los seguidores del jazz tradicional. Finalmente la definición se extendió más allá del ámbito musical, para incluir otros elementos de la moda y estilo de vida, como la indumentaria europea continental o el gusto por las scooters. Los mods también estaban interesados por el pop art, el cine de la nouvelle vague francesa y la filosofía existencialista. La novela Absolute Beginners escrita por Colin MacInnes en 1959 ha sido citada frecuentemente como un retrato de la cultura juvenil londinense de finales de los 50, que fue la semilla de la escena mod en la década siguiente.
Los mods frecuentaban clubes - v.gr. 'Twisted Wheel Club'-, donde podían escuchar su música, lucir su indumentaria y mostrar nuevos pasos de baile ante otros mods, mientras que por el día desarrollaban trabajos como empleados de oficina o dependientes. Para poder mantener ese ritmo de vida frenético, recurrían frecuentemente al consumo de anfetaminas. En el relato "Underground de Mediodía" incluido en el libro de Tom Wolfe publicado en 1968 La banda de la casa de la bomba y otras crónicas de la era pop.
Según fue desarrollándose este estilo de vida y fue extendiéndose a los adolescentes británicos de todos los estratos sociales, los mods expandieron sus gustos musicales más allá del jazz y el R&B, adoptando el Soul - particularmente los sellos Tamla MotownAtlantic y Stax -, ska jamaicano y Bluebeat. Además surgieron diversos estilos deBeat y R&B británicos como los Small FacesThe WhoThe AnimalsThe YardbirdsThe Kinks y Spencer Davis Group. Otras bandas menos conocidas asociadas con la escena mod fueron The ActionThe ZombiesGerry and the PacemakersZoot MoneyThe Creation y John's Children. Además, programas televisivos con actuaciones de los grupos de moda, cobraron gran popularidad, como Ready Steady Go!, cuya presentadora, Cathy McGowan, llegó a ser conocida como la "Reina de los Mods" -sobrenombre otorgado en ocasiones a la cantante soul británica Dusty Springfield y a la modelo Twiggy-, siendo un hecho insólito para la época el que una presentadora de televisión tuviera acento obrero.
Su vehículo habitual era la scooter, típicamente Lambretta o Vespa. La principal razón del uso de la scooter radicaba en que el transporte público dejaba de operar relativamente temprano y las scooters eran más baratas que los coches. Después de que se instituyera una ley exigiendo, al menos, un espejo retrovisor en cada moto, los mods añadieron cantidades ingentes de ellos a sus vehículos - siendo habitual incluso llevar más de 10 - como una forma de burla hacia la nueva ley, también las decoraban con adornos elegantes. Estos adornos fueron típicos durante los años 1963 y 1964, aunque se retornó a una estética más sencilla y minimalista posteriormente. Un ejemplo se puede ver en la portada del disco de Quadrophenia, de The Who, en la que aparece el personaje principal de la ópera rock, Jimmy, mirando sus cuatro espejos retrovisores.
Los Mods siempre se han unido por la música. El nombre que los identifica proviene de su interés por la moda y las nuevas tendencias y de su fanatismo por el Modern Jazz, aunque también se hicieron adeptos a otras corrientes 'modernas' de la época como el arte, la literatura y la filosofía.
Los jóvenes seguidores de otra subcultura juvenil conocida como rockers - asociada con motos y cuero - en ocasiones tuvieron enfrentamientos violentos con los mods, que degeneraron en batallas campales en ciudades costeras vacacionales, como BrightonMargate y Hastings en 1964. A consecuencia de estos acontecimientos hubo cierto debate social sobre la 'juventud moderna' en Reino Unido durante los primeros 1960s. Estos conflictos inspiraron la novela de Anthony Burgess La Naranja Mecánica, en la que su antihéroe es una especie de Mod futurista, y la película de Quadrophenia, inspirada en el LP homónimo de The Who.





Chelsea U.K década del 60 contrastando con 
IMAGEN DE VOGUE CON UN ESTILO CHELSEA O "MOD LOOK" Siglo XXI



MUSICA: THE WHO, una banda tipicamente MOD LOOK

CINE: "LA NARANJA MECÁNICA" Un ícono de la historia del cine clásico y un estilo POP CON UN MIX DE MOD en su estètica deliciosamete dirigida por STANLEY KUBRICK 

woodstock 
janis joplin THE ROSE
Woodstock visto desde la óptica de los medios de prensa televisiva de la época. Nota el contraste entre el presentador y los videos que colgamos aquí para que veas el quiebre que se producía en la sociedad JOVENES LUCHANDO PACIFICAMENTE, CON ARTE MUSICA, "FLOWER POWER" Y AMOR LIBRE COLORES Y BURBUJAS...frente a un pueblo Norteamericano que trataba a los HIPPIES como "mugrosos" sucios, y vagos.
Una contradicción, una ambivalencia de poderes y de maneras de comunicar lo rígido con lo blando.
SANTANA 
PSICODELICO Y LATINO
JOE C. 
A LITTLE RESPECT FROM MY FRIENDS
Un título que era contestatario, como su letra para ayudar a sus compañeros jóvenes contemporáneos que mandaban o se enrolaban para la sin sentido, GUERRA DE VIETNAM
OTRO DE LOS GRANDES INSPIRADORES QUE MARCO UNA EPOCA, CORTA SU FAMA PERO ETERNO SU ARTE, desde la música hasta el vestir:
JIMMY HENDRIX 

ROMAN POLANSKI - MIA FARROW - SHARON TATE .... EXITO Y FUROR DE LOS SESENTAS....CABELLO CORTO, PRIMERO EL BEBE DE ROSEMARY Y EL CORTE DE SASOON EN LOS 60.s MIA FARROW CONSAGRÓ EL ESTILO 'PIXIE' EN LA DÉCADA DE LOS '70

Roman Polansky 
EL BEBE DE ROSEMARY
MIA FARROW
 El corte marcó a toda una generación de mujeres de la época, y hasta el día de hoy, muchas lo siguen llevando por su simpleza y comodidad.
Si a finales de los '60 alguien hubiera comentado al estilista británico Vidal Sassoon el furor que causaría su creación, jamás lo hubiera imaginado. El new look que realizó sobre el cabello de Mia Farrow durante la grabación de "Rosemary´s Baby" en 1967 fue simplemente radical para el estilo que acostumbraba llevar la diva antes de aquella fecha.
Para causar mayor expectación, al cortarle el cabello Sassoon reunión a varios fotógrafos para inmortalizar el momento de la transformación para la actriz que luego protagonizaría el popular filme "La semilla del diablo".
El corte, que definía a su pelo con hebras rubias no muy largas y una chasquilla irregular , en un principio no gustó a su marido, el astro de la música Frank Sinatra. Sin embargo, a pesar que el corto en su cabello no causó sensación en un primer momento, luego pasaría a ser un ícono y a adquirir el nombre de 'pixie'.
Luego, la misma Mia lo llevó mucho más corto y rubio. En el año 1972 al trabajar en el rodaje de la peícula Kill, de Romain Gary.
De aire clásico, masculino y poco pulido, el pixie que saltó a la fama en la década de los 70 ha evolucionado desde entonces. Actualmente se usa con en una extensión a la altura del hombro, con rizos o chasquilla deflecada y si de color se trata, este estilo no respeta reglas. Morenas o rubias lo pueden utilizar de igual forma, y como era de esperarse, el corte reinventado no tardó en llegar a la alfombra roja.
Michelle Williams y Charlize Theron lo han lucido por el bando de las rubias, y sacando la cara por las morenas, Emma Watson lo ha utilizado con mucho éxito y devoción. Tanto, que en una entrevista pública no dudó en señalar el origen de esta fuerza inspiradora, "mi madre tenía este corte de pelo y ese fue su look desde que tenía 16 años...Siempre he pensado que era fantástico y quise probarlo. Así que cuando fuí a mi peluquero, le llevé una foto de Mia Farrow y le dije: 'Quiero parecerme a ella".
Diva post Farrow
En los 60, el corte pixie fue un referente para la modelo Twiggy y hoy el suyo también se ha convertido en tendencia. Carey Mullingan ha reproducido su estilo setentero a la perfección . Las más atrevidas, como la actriz inglesa, han optado por llevarlo con volumen, efecto húmedo o tintes llamativos como la coloración rubia casi blanca que ha lucido en el último año.



ROMAN POLANSKI
Nació en París en 1933 con el nombre de Raymond Roman Thierry Liebling, en el seno de un matrimonio de emigrantes judíos polacos. Su padre Ryszard Polański, pintor de escaso éxito, se cambió el apellido en 1932 y pasó a llamarse Ryszard Liebling, por lo que el nombre legal de Polanski fue Rajmund Roman Thierry Liebling, hasta su retorno a Cracovia (Polonia), a principio de julio de 1936, en donde recuperó su apellido original polaco y pasó a llamarse Rajmund Roman Thierry Polański, respondiendo al apodo de Romek, diminutivo de Roman. Su madre, de soltera llamada Bula Katz, era de origen ruso y se educó en la religión católica porque su madre lo era, aunque su padre (abuelo paterno de Polanski), apellidado Katz, era judío askenazí. Bula Katz estaba divorciada cuando se casó con Ryszard Liebling en 1932 y sólo tuvieron un hijo juntos. Se instalaron en el número 5 de la rue Saint-Hubert, en París, donde vivió Polanski sus tres primeros años de vida. En el árbol genealógico de Polanski, por tanto, hay raíces judías en un 75% (sus abuelos paternos y su abuelo materno, Katz) y un 25% de raíces rusas católicas (su abuela materna). Los padres de Polanski no practicaban la religión judía y Roman Polanski no recibió educación religiosa, ni judía ni tampoco católica, ni en París ni luego en Cracovia.
Por sus ancestros judíos, experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia (Polonia), creyendo que allí estarían más seguros; e instalarse en Polonia se convirtió en la primera, de muchas, desgracias de su vida. Durante la guerra perdió a su madre —católica, pero "clasificada racialmente" como judía por parte de padre— en el campo de concentración de Auschwitz, en algún momento de 1943, junto a otros familiares. Su padre pese a que estuvo también recluido dos años en el campo de concentración de Mauthausen-Gusen sobrevivió, convirtiéndose en uno de los pocos supervivientes polacos del Holocausto. Durante la guerra, Polanski sobrevivió al gueto de Cracovia y luego, tras vivir como un mendigo en la calle, logró escapar de los nazis haciéndose pasar por hijo católico en familias de acogida, primero los Wilk, en Cracovia, luego los Putek y los Buchala, en el pueblo de Wysoka, a partir de julio de 1943 y hasta la liberación por el Ejército Soviético en enero de 1945, tal y como relató el cineasta en sus memorias.

Inicios profesionales

Después de la guerra, siendo muy joven, ya empezó a interesarse por el mundo del cine y comenzó su carrera como actor teatral. Más tarde cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź.
Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawę... (1957), Uśmiech zębiczny (1957), Dwaj ludzie z szafą(1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962.
Esto le sirvió para poder realizar su primer largometraje en Polonia: El cuchillo en el agua (rodada en 1961 pero estrenada en 1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, por su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco.
Poco después Polanski realizó sus últimos cortometrajes: Le Gros et le maigre (1961), que rodó en Francia y con el que consiguió varios premios, y Ssaki (1963).

Dándose a conocer

Gracias al reconocimiento cosechado con El cuchillo en el agua, Polanski rodó Repulsión (1965). Escribió el guion junto con su amigo Gérard Brach y contó con una banda sonora del también íntimo Krzysztof Komeda, que ya había realizado varias composiciones musicales para los cortos de Roman. Esta película fue ya producida por una compañía más o menos importante y significó su primera gran producción en el Reino Unido, con Catherine Deneuve como estrella principal y con un argumento de thrillerpsicológico que le valió varios premios, incluido el Oso de Plata en el festival de Berlín de ese año.
En 1966 filmó Callejón sin salida (Cul-de-sac), de nuevo en Reino Unido, con Donald Pleasence como protagonista, en la que aparte del ambiente claustrofóbico tan característico del autor, deja ver atisbos de un humor negro muy particular que acompañará algunas de sus mejores películas. Cul-de-sac obtuvo el Oso de Oro en el festival de Berlín, así como muchos otros premios.

Tate y la mejor etapa de su vida

En 1967 Polanski dio el gran salto a los Estados Unidos con el rodaje de El baile de los vampiros, primer filme que rodó en color. Este film, una parodia de las películas de vampiros de la época, le permitió mostrar sus dotes interpretativas y lo consagró en el mercado norteamericano.
Antes del rodaje y durante él comenzó una relación amorosa con la bella actriz Sharon Tate, de 23 años (a pesar de que ésta se encontraba saliendo por aquel entonces con un prestigioso peluquero de Hollywood, Jay Sebring), con la que se casó en enero de 1968 en Londres.
La película fue destrozada debido a la excesiva censura de la época y sólo pudo ser vista de manera íntegra tiempo después.
En 1968, Polanski rodó en EE.UU. una de sus películas más emblemáticas y polémicas: Rosemary's Baby ( El bebé de Rosemary y como La semilla del diablo en España). Interpretada por la actriz Mia Farrow la película obtuvo numerosos premios (entre ellos varias nominaciones al Óscar), logró el éxito internacional y tuvo gran repercusión. Polanski tenía en mente utilizar para el papel protagonista a su mujer, Sharon. Sin embargo, al no decir los productores nada al respecto Roman desechó la idea.
Polanski, de 35 años, se encontraba en la mejor etapa de su vida, como reconoció él mismo.

Asesinato de su esposa 1969

En abril de 1969 murió el compositor musical de películas Krzysztof Komeda a causa de un accidente. Era el preludio de una serie de desgracias que se cebarían con el director polaco.
Por aquel tiempo, Polanski se había mudado a una enorme mansión en el 10050 de Cielo Drive, en Los Ángeles (California), donde tuvo lugar uno de los sucesos que marcarían su vida, tanto personal como cinematográfica. Su mujer, la actriz Sharon Tate, quien se encontraba embarazada de ocho meses y medio, fue una de las víctimas de la masacre (ella y 4 personas más fueron brutalmente asesinadas), que la banda "La Familia" del líder Charles Manson realizó en dicha casa. Los sucesos tuvieron lugar mientras Polanski se encontraba en Londres preparando otro largometraje, El Día del Delfín, que jamás terminó. El suceso ocurrió la madrugada del 9 de agosto y Polanski tenía en mente regresar el día 12 a tierras norteamericanas, tras haber estado desde el 20 de julio en la capital británica.

Chinatown y otros estrenos

Tras un período de inactividad regresó al cine en 1971 con Macbeth, en una personal adaptación de la obra de William Shakespeare. La película fue el primer fracaso comercial de Polanski, aunque en Inglaterra funcionó bien. Destaca en la película la matanza realizada por el protagonista sobre los escoltas del Rey que hace alusión a los asesinatos de su esposa y amigos.
En 1973 viajó a Italia para rodar ¿Qué?, una comedia disparatada con Sydney Rome y Marcello Mastroianni que recordaba por momentos a Alicia en el país de las maravillasy que contiene alguno de los momentos más divertidos de su filmografía. La película fue un fracaso en EE.UU., pero en Europa consiguió un notable éxito, sobre todo en Francia, Italia y Alemania. En España fue prohibida por la censura de la época, debido a los continuos desnudos de Sydne Rome, y tan sólo pudo verse en salas de arte y ensayo en versión original subtitulada. Actualmente se ha editado en DVD en España por Filmax.
En 1974 Polanski volvió por la puerta grande, al rodar Chinatown, una película inspirada en los clásicos del cine negro, con las apariciones estelares de Jack NicholsonFaye Dunaway y John Huston. La película fue un éxito mundial y lograría 11 nominaciones a los Óscar, de los que obtendría tan sólo uno, así como otros numerosos premios.
En 1975 empezó a preparar el rodaje de Piratas, de nuevo con Jack Nicholson, invirtiendo gran parte de su propio dinero en la preparación. Como finalmente ninguna gran productora cinematográfica se interesó por el proyecto, Polanski se ve obligado a abandonarlo, así que viajó a Francia, donde, apoyado de nuevo por las multinacionales, comienza el rodaje de El quimérico inquilino (The Tenant), un «thriller» psicológico que quizá sea la obra cumbre del director polaco y en el que él mismo actúa como protagonista. Como las autoridades francesas pretendían presentar el largometraje en el festival de Cannes, Polanski se vio obligado a realizar el proyecto a gran velocidad, con lo que pasaron tan sólo ocho meses desde que se escribió el guion hasta que se estrenó la película.
El quimérico inquilino se estrenó en 1976, fracasó en el festival de Cannes y recibió malísimas críticas. Fue un tremendo fiasco comercial y, curiosamente, hoy en día se ha convertido en el largometraje favorito de muchos de sus seguidores, ya que es uno de los trabajos más personales de Polanski y, a la vez, más retorcido, mezclando de forma magistral terror con humor negro.
En 1977 Polanski, de nuevo en EE.UU., fue acusado de haber mantenido relaciones sexuales con una joven de trece años. El suceso ocurrió debido a que Polanski era el encargado de realizar unas fotos a la joven para una revista. Durante la realización de éstas ambos se encontraban en casa de Jack Nicholson, que por aquel entonces era pareja de Anjelica Huston, en un jacuzzi con alcohol y drogas. Abandonó el país mientras estaba en libertad bajo fianza y tras haber pasado unos meses en prisión en Chino (Los Ángeles), previendo una condena mayor. Nunca ha vuelto a pisar suelo estadounidense.

Exilio en Europa y Emmanuelle Seigner

En 1979, tras un intenso rodaje de más de año y medio en Francia, Polanski estrenó Tess, basada en la novela de época de Thomas Hardy, con Nastassja Kinski como protagonista. Dedicó el filme a su fallecida esposa Sharon Tate (con un simple «To Sharon»), quien dio la novela a Polanski junto con otras pertenencias el último día que se vieron antes de que volviera la actriz a Los Ángeles. "Podemos hacer una película fascinante con este libro" le dijo en ese momento. Tess fue uno de los mayores éxitos de su carrera, logrando varios Globos de Oro y estando nominada a 6 estatuillas en los Óscar, de las que conseguiría tres. Cabe destacar por el propio Polanski que con Tesslograría la cumbre de su carrera, si bien el propio director tenía pensado hacerla dándole el papel protagonista a la propia Sharon.




TENDENCIAS DEL 60 A HOY EN EL MUNDO ACTUAL 
 charlize theron 
agustina cherri argentina actriz



emma watson 

miley cyrus - actriz cantante


charlize theron
ann hathaway


La Nouvelle Vague (1960) LA NUEVA OLA DE LA JUVENTUD FRANCESA

El más emblemático e influyente de los estilos de los años sesenta. 
Surgió entre grupos de jóvenes cineastas de Francia y de otros países (Reino Unido, Polonia, Brasil, Alemania). 
Se propuso renovar, incluso regenerar, cinematografías consideradas en declive. 
Fue en Francia donde este movimiento tuvo mayor importancia y supuso una aportación muy decisiva para el cine francés. 
El término nouvelle vague (nueva ola) surgió de una encuesta periodística realizada entre la juventud francesa, y no tardó en aplicarse a los nuevos cineastas cuyas primeras películas se exhibieron en 1959 y 1960: 
Claude Chabrol, 
François Truffaut, 
Alain Resnais, 
Demy, 
Duras, 
Godard
Malle
Resnais, 
Rivette, 
Robbe-Grillet, 
Rohmer
 Varda. 
Más allá de la diversidad de los estilos, los nuevos cineastas, procedentes en su mayoría de la crítica de cine (en especial de la revista Cahiers du Cinéma) o del documental (Resnais, Franju, Malle, Kast, Rouch),
Rechazaban las estructuras generales del cine de la época, que juzgaban excesivamente académicas. 
En cambio, defendían la espontaneidad y el rodaje en exteriores, y también expresar en la pantalla su cultura cinematográfica, incluso su talento de autodidactas, recurriendo a veces a la improvisación y, siempre, a actores nuevos (Jean-Claude Brialy, Bernadette Laffont, Jean-Paul Belmondo, Gérard Blain, Jean-Pierre Léaud, Françoise Brion, Charles Aznavour). 
El éxito de estas películas, debido al talento de los jóvenes realizadores, a su proximidad con las aspiraciones de un público en vías de rejuvenecimiento y a incontestables innovaciones, favoreció la producción de numerosos largometrajes confiados a debutantes (un centenar entre 1958 y 1962). 
La nouvelle vague fue menos una auténtica escuela estética, como el Free Cinema británico o el neorrealismo italiano.
Las transformaciones económicas del cine francés y la aparición de nuevas ayudas públicas (Anticipo sobre taquilla, creado en 1959) contribuyeron a su expansión.
En la edición del festival de Cannes de 1959 Orfeo Negro (Marcel Camus) recibe la Palma de Oro y Truffaut es elegido como mejor director por Los 400 golpes. Además se proyecta Hiroshima mon amour (Alain Resnais). Estos acontecimientos se citan habitualmente para marcar el comienzo del movimiento. Su surgimiento coincidió con el cambio en el tratamiento del cine por parte del ministerio de Malraux, que diseñó un conjunto de medidas protectoras utilizando cuotas y subvenciones. Fue fundamental la incorporación de nuevas técnicas de rodaje que hicieron disminuir la importancia del uso de estudios tradicionales.
 La aparición de los magnetófonos Nagra III multiplicó el uso de la toma de sonido directo. No siguieron la pauta del neorrealismo italiano, con predilección por las pesadas cámaras Debrie, e importaron modelos desarrollados por documentalistas norteamericanos. 
El uso de las Arriflex B.L. quedaría casi institucionalizado para el rodaje de largometrajes de ficción.
Broca, Sautet, Molinaro y Lelouch siguieron dirigiendo a pesar de la discontinuidad de su originalidad. Pierre Kast, Jacques Doniol-Valcrose y Jacques Rozier se encontraron con grandes dificultades. Cavalier, Marker, Mocky, Demy, Rivette, Rohmer,Godard y Resnais siguieron dirigiendo obras con gran carácter. Sólo Malle y Schroeder verán cumplidos sus deseos de integrarse en el cine norteamericano conservando su independencia.


    Anna Karina y GodardActrices y nuevos modelos de mujer:También renovaron el star system del cine francés según nuevas tipologías inauguradas por la pareja constituida por Brigitte Bardot y Jean-Louis Trintignant en Y Dios creó la mujer... A menudo convertidas en musas particulares de determinados realizadores (Anna Karina y Anne Wiazemsky de Godard, Stéphane Audran de Chabrol, Emmanuelle Riva o Delphyne Seyrig de Resnais, Françoise Brion de Doniol-Valcroze, Marie Laforet de Jean-Gabriel Albicoco o Catherine Denueve, Jeanne Moreau y Anouk Aimée de Truffaut, Malle y/o Demy), las actrices de la Nouvelle Vague aportaron a la pantalla un nuevo modelo de mujer que rompía explícitamente con los moldes tradicionales imperantes en el cine de época anteriores. Entre las religiosas de Les Anges du peché (1943) de Robert Bresson y la prostituta interpretada por Simone Signoret en París, bajos fondos (Casque d'or, 1951) de Jacques Becker -por poner dos ejemplos apreciados por los redactores de Cahiers du Cinéma-, surgía un perfil femenino todavía lastrado por determinados tópicos dramáticos -la fatalidad implícita en las protagonistas de Al final de la escapada o Jules et Jim, el abanico de tipologías desplegado por Les Bonnes femmes o la ingenuidad que caracteriza a determinadas heroínas rohmerianas- pero mucho más acorde con el espíritu reinante en la década de los sesenta.(Riambau)

    ESCENAS DE "LA NOOVELLE VAGUE 

    JEAN SEBERG - BRIGITTE BARDOT 
    modelos de mujer de la NUEVA OLA FRANCESA 

    Jean Seberg

    Nació en Marshalltown, en el estado de Iowa. Su máximo deseo fue ser actriz de cine. Estudió en la Universidad de Iowa y después consiguió el papel protagonista de la película Juana de Arco, dirigida por Otto Preminger en 1957. Según la documentación existente, para este papel se recibieron ofertas de 18.000 candidatas.
    Al año siguiente, Seberg hizo su segunda película, también con Preminger: Buenos días, tristeza (Bonjour tristesse), adaptación de la exitosa novela de Françoise Sagan. Un año después protagonizó junto a Jean-Paul Belmondo el maravilloso filme Al final de la escapada (À bout de souffle) , de Jean-Luc Godard, uno de los hitos de la Nouvelle Vague y que la convirtió en una actriz conocida en Europa. No tuvo la misma suerte en los Estados Unidos, por lo que siguió trabajando en Europa. Hizo numerosas películas, algunas de ellas con los mejores directores, pero con éxito variable.
    Fue simpatizante de los Panteras Negras, hecho que le trajo ciertas complicaciones con los sectores más reaccionarios de Hollywood, que orquestaron campañas contra ella. Hasta llegó a ser vigilada por el FBI.
    En algunas ocasiones Seberg regresó a Estados Unidos para rodar una película, entre ellas Lilith (1964), una tierna historia romántica con Warren Beatty, y el famoso western musical La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), con Clint Eastwood yLee Marvin.
    Seberg estuvo casada en cuatro ocasiones. Sus tres primeros matrimonios terminaron en divorcio. En 1979, antes de cumplir los 41 años de edad, murió en circunstancias no del todo aclaradas.
    Su cadáver fue encontrado en el interior de un automóvil estacionado en una calle del barrio parisiense de Passy. Parece ser que Seberg fue una persona más frágil y vulnerable de lo que aparentaba y que se suicidó con una sobredosis de barbitúricos. Su hija Nana había muerto a los dos días de nacer y Seberg nunca se recuperó del golpe. Encontraron su cuerpo en lo que pareció ser su octava tentativa de suicidio. A los 16 meses se suicidó también su marido, el escritor Romain Gary.





    JEANNE MOREAU "Jules et jim" (1961)





    Las reinas de los 60 - MARIANNE FAITHFULL - ANITA PALLENBERG - "The Swinguin Londn"

    Aunque para algunos hayan quedado eternizadas como aquellas rubias salvajes que acompañaron a los Stones en los swinging sixties, Marianne Faithfull y Anita Pallenberg sobrevivieron al agite de la escena mundial y a sus correspondientes infiernos personales para demostrarle al siglo XXI que tienen resto. Ahora, cuando son ellas las que rondan los 60, siguen siendo amigas y especulan con salir de gira como dúo cómico, mientras hacen tiempo sacando discos (Marianne)o editando exitosas revistas de moda (Anita).

    Anita Pallenberg y Marianne Faithfull eran quizá las mujeres más fabulosas de los '60. Encarnaban la época y se movían en todos los círculos hip con una facilidad asombrosa. Musas rubias, bellísimas y misteriosas, formaban una pareja glamorosa que se hizo definitivamente célebre cuando entraron al círculo de los Rolling Stones:
      Marianne como la novia de Mick Jagger (y amante de Keith Richards),
      Anita como novia de Brian Jones y después larga pareja de Keith Richards, con quien tiene dos hijos. Las rubias fatales se separaron de los Stones en los años '70, pero dejaron su marca en la banda en más de un sentido: Marianne escribió la mítica canción "Sister Morphine" e inspiró muchas más como "Let's Spend The Night Together", "She's Like a Rainbow" (en las que Jagger celebraba sus años felices) y "Wild Horses", el adiós definitivo del cantante a su novia. Anita fue la que sugirió los coros tribales de "Sympathy for the Devil" y la protagonista de otras canciones célebres como "Beast of Burden" o "Happy". Para bien o para mal, se las congeló como las salvajes mujeres de los Stones, aunque ambas tenían sus propias e interesantes carreras. En los '60, Marianne brillaba como cantante pop y actriz: 

    protagonizó la película de culto La chica de la motocicleta con Alain Delon e hizo el papel de Lilith en la oscura Lucifer Rising de Kenneth Anger en 1972; Anita Pallenberg era una de las modelos más famosas de su época, y protagonizó junto a Jane Fonda Barbarella de Roger Vadim como la perversa y sensual Reina Negra. Marianne recuerda: "Éramos terriblemente felices. Jóvenes, ricos, protegidos, con el mundo a nuestros pies". Más de treinta años después de aquellos años dorados, las musas siguen activas, verdaderas sobrevivientes, íntimas amigas. Hace tres años, el programa Absolutely Fabulous del canal británico Comedy Central las juntó para interpretar al Diablo (Anita) y Dios (Marianne). Fue un éxito. Pero a los productores les costó lidiar con ellas. Marianne decía: "Me temo que fuimos un poco crueles en los primeros encuentros. Anita puede ser amenazante. Y grandiosa. Puede decir cosas como 'Fui en el Rolls Royce de Brian a buscarlo al aeropuerto de Milán; tenía puesto mi saco de piel de zorro rojo'. Lo que querían sacarnos era la gloria de aquellos años, querían vernos chusmeando, hablando, contando anécdotas. Y se dieron cuenta de que formamos una pareja de comedia estupenda. Hasta nos propusieron salir de gira. Quizá lo hagamos. De cualquier manera, lo queramos o no, somos como siamesas. No podemos separarnos. Somos como la sal y pimienta de los '60". La diosa Marianne Faithfull nació en 1946. Su madre, una baronesa austríaca, era descendiente de Leopold Von Sacher-Masoch, el autor del clásico sadomasoquista La Venus de las pieles. Su padre era un espía británico que dedicaba su tiempo libre a inventar juguetes sexuales. A los 13 años ya protagonizaba piezas de Shakespeare, y a los 17 paseaba por la galería de su novio John Dunbar, uno de los gestores del Swinging London, y se codeaba con los Beatles y los Rolling Stones. Pero todavía actuaba: fue Ofelia en la versión fílmica de Hamlet de Tony Richardson y obtuvo un pequeño papel en Made in the U.S.A de Jean-Luc Godard. Marianne era hermosa, etérea y culta, y pronto el hábil manager de los Stones la contrató para que cantara canciones pop. Su primer hit fue "As Tears Go By", una canción de Jagger-Richards, y enseguida grabó "Blowin' in the Wind" de Bob Dylan (que la cortejaba). Pero en 1966 se enamoró de Mick Jagger, y un año después protagonizó la más célebre –y falsa– anécdota de los Rolling Stones. La banda y algunos amigos descansaban de un viaje de ácido en la mansión de Keith Richards, Redlands, y la policía hizo un allanamiento. Encontraron la cantidad de droga suficiente para mandar a los Stones a la cárcel, pero ella llegó a los titulares porque se decía que la habían encontrado desnuda, con un bombón Mars en la vagina, quelamían Jagger y Richards. "Esa historia me sigue disgustando", dice Marianne hoy. "Nunca la encontré graciosa, y me volví loca tratando de averiguar de dónde había salido el rumor. Fue indignante." Un año después quedó embarazada de Mick Jagger, perdió el bebé, escribió "Sister Morphine" (los Stones no se molestaron en ponerla en los créditos del disco), intentó suicidarse y fue arrestada cuando, muy borracha, hizo un escándalo en un restaurante indio de Londres tras enterarse del casamiento de Mick Jagger con la heredera nicaragüense Bianca Pérez. Recién diez años después fue capaz de escribir sus propias canciones y el mundo calló asombrado ante el resultado. Broken English, editado en 1979, es uno de los mejores discos de rock de la historia; aunque nunca llegó a ser popular, fue sumamente influyente y generaciones de chicas punk trataron de copiar el raro estilo vocal de Marianne. "Mi voz es madura", dice ella. "Está cargada de tiempo, marcada por cada cigarrillo que me fumé y cada whisky que bebí." De la voz angelical a la voz decadente, pero siempre hermosa. El tema más famoso de Broken English es "La balada de Lucy Jordan", sobre una ama de casa suicida, con una letra mítica sobre sintetizadores (toda una rareza entonces): "En una cama blanca suburbana de un blanco pueblo suburbano/ Acostada bajo las frazadas, Lucy soñaba con miles de amantes/ Hasta que el mundo se puso anaranjado y la habitación empezó a girar/ A los 37 años se dio cuenta de que nunca había manejado por París en un auto deportivo/ con el viento caliente en su pelo/ Así que dejó que sonara el teléfono y cantó canciones de cuna que había memorizado en la mecedora de su padre". Broken English es un disco decadente, furioso, triste y hermoso; Marianne lo grabó cuando todavía era adicta a la heroína, hábito que mantuvo durante los cinco años siguientes, cuando se dedicaba a cantar sobre mujeres caídas en desgracia que deambulaban solas por la ciudad, una pintura bastante exacta de su propia vida. En 1987, limpia de heroína, grabó Strange Weather, una colección de covers casi perfecta. En los '90, se convirtió en la mejor intérprete de Kurt Weill y la música de cabaret de la República de Weimar (superior incluso a Ute Lemper) y hasta se atrevió a reversionar a Marlene Dietrich y salir airosa. En 1995 escribió su autobiografía, Faithfull: "Me dijeron que iba a ser un trabajo bueno para mi alma. Sí, claro. La escribí sólo por dinero. Fue muy bueno para mis finanzas". Allí, entre otras cosas, confiesa que Keith Richards era mucho mejor amante que Mick Jagger, lo que Keith –su amigo hasta hoy– agradeció pública y calurosamente. Hace menos de un mes, Marianne Faithfull editó un nuevo disco. Se llama Before the poison y es extraordinario. Dos años atrás, en Kissing Time, habían colaborado con ella Jarvis Cocker y Beck, pero ahora le pidió ayuda a Nick Cave, P.J. Harvey y Damon Albarn (de Blur). Todos trabajaron con reverencia para Marianne, y le dieron composiciones excelentes, que ella reescribió o le agregó letras en algunas ocasiones. "Crazy Love", con música de Nick Cave, es de un romanticismo estremecedor, y Marianne interpreta el tema "No Child of Mine" de P.J. Harvey como si le perteneciera. Pero la sorpresa es el aporte de Albarn, "Last Song", una canción folk de delicadeza extrema que la voz rota de Marianne se encarga de retorcer. Es uno de los mejores discos del año, pero probablemente pasará inadvertido, como siempre. Marianne está acostumbrada. "La gente sólo conoce mi nombre. No sabe qué es lo que hago. Muchos piensan que mi vida es más interesante que mi música. Ellos se lo pierden." La diablesa Anita Pallenberg tiene 61 años, y durante mucho tiempo se la consideró una verdadera bruja. Decían que guardaba restos humanos, que invocaba a las fuerzas oscuras para deshacerse de la gente que le disgustaba, y su fama de maligna llegó a su pico más alto cuando, en 1979, un chico de diecisiete años se suicidó en su cama jugando con una pistola de Keith Richards. "Cuando Scott se mató en mi casa, fue el fin de mi pareja con Keith", dice hoy Anita. Habían soportado mucho juntos. Anita entró alcírculo de los Stones como novia de Brian Jones; Bob Dylan tituló su mítico disco Blonde on Blonde (Rubio sobre rubio) por su fascinación con la decadente y glamorosa pareja. Ella era hija de una aristocrática familia alemana residente en Roma, restauradora de obras de arte, sumamente culta. A fines de 1967 viajó con su novio y Keith a Tánger; Brian sufrió una sobredosis, fue abandonado por el camino, y Anita cayó en brazos de Keith. La traición precipitó la salida de Brian de los Rolling Stones –murió ahogado en la pileta de su casa ese mismo año– y cimentó la leyenda del poder sobrenatural de Anita sobre los Rolling Stones. "Pienso que Brian fue la pasión de mi vida", recuerda ella. "Hay una diferencia entre amor y pasión. Keith fue mi gran amor, pero yo estaba apasionadamente enamorada de Brian." Keith, por su parte, dice: "Yo era el gran amigo de Brian, y entonces le quité a su novia. Lo cagué todo, para siempre. Nunca me perdonó por eso, y no lo culpo". Anita, mientras tanto, transformó al hasta entonces tímido Keith en una estrella de rock. Le enseñó a maquillarse, le arregló el pelo, le elegía la ropa. Enseguida, Anita se convirtió en un Rolling Stone. Grabó los coros de "Simpatía por el demonio" y le mostraban las canciones, que sólo eran grabadas cuando Anita aprobaba. En 1968, protagonizó Performance, de Donald Cammell y Nicholas Roeg, una de las películas fundamentales de la década, junto a Mick Jagger. Ella escribió parte del guión. Durante el rodaje, Anita tuvo sexo con Mick Jagger; la escena no quedó en la película, pero los productores la editaron y la enviaron como mediometraje a festivales pornográficos del mundo (se alzó con el primer premio en Amsterdam). Hoy es inconseguible. Un año después, tuvo su primer hijo con Keith Richards, Marlon –bautizado en homenaje a Brando, amigo de la pareja– y dos años después a Angela. En 1976 falleció su tercer hijo, Tara, y la separación de la pareja era inminente. Ambos eran adictos a la heroína. El crítico Nick Kent escribía entonces: "Ya no eran el Scott y la Zelda del rock. Tenían el aspecto de una trágica pareja encerrada en su caparazón saliendo juntos de un campo de concentración. Pensé que iban a morir". Anita resume lo que ocurrió después de ese trágico año: "Hicimos un tratamiento eléctrico para dejar la heroína, pero no funcionó porque no pusimos nada de nuestra parte. Cuando me separé, comenzaron letales años de juerga. Toqué fondo. Me echaban de todos lados. Le ponía tranquilizante de caballos a la cerveza. Estuve en sala de urgencias, en chalecos de fuerza, me rompí la cadera. Tuve una neumonía que casi me mata. Terminé en un famoso hospital para alcohólicos, con colchones en las paredes, sudando, paralizada. Traté de desintoxicarme durante años, pero sólo lo logré en los '90". Por esa época, se convirtió en una leyenda de Londres. Se la podía ver con su bicicleta, recuperada, otra vez hermosa, trabajando en centros de tratamiento para adictos. Volvió a la universidad y estudió diseño de indumentaria. Y entonces, diseñadores famosos como Anna Sui y Zac Posen empezaron a citar su estilo como una influencia importantísima. Anita se atrevió a lanzar su propia línea de ropa, Burn, que cada día se vende mejor. Y es una de las editoras en la revista Cheap Date, especializada en moda de segunda mano, una especie de "hazlo tú mismo" que enseña cómo ser glamoroso con pocos pesos; el editor general es su hijo, Marlon Richards. Varias editoriales la están tentando para que escriba su autobiografía, pero ella no está interesada; tampoco quiere editar las películas caseras de los Rolling Stones que guarda celosamente. Ahora se la ve en cada evento del mundo de la moda en Londres y es anfitriona de otros eventos cuando se lo piden. "No quiero hablar del pasado. Sólo es mitología", dice. "Creo de verdad que los héroes del rock forman parte de la mitología. Cuando se habla de los Stones, es como si se hablara de Hércules o Zeus. Es lo mismo. Además, me siento como si tuviera todo el tiempo del mundo. Marianne sigue siendo mi mejor amiga. Mis hijos y mis nietos están a mi alrededor, estoy limpia, Keith es mi amigo. ¡Si hasta le tejí los primeros enteritos para sus hijas con Patti (Hansen, la actualesposa de Richards)! Lo respeto, y lo quiero. En Año Nuevo, la familia entera se reúne en Jamaica. Y lo pasamos muy bien."
    FUENTE : PAGINA 12 - MODA  Por Mariana Enriquez


    marianne faithfull 
    Algunas vidas representan toda una era. Cole Porter es la era del jazz y la crisis de 1929. Alfred P. Sloan, cuyo reinado en General Motors comenzó cuando las calles de las ciudades aún olían a estiercol y terminó con las primeras congestiones de tránsito, es la era del coche. Marianne Faithfull, que tuvo su primer éxito en 1964 -una canción escrita a los 20 años de edad por Mick Jagger y su amigo Keith Richards–, es rock ‘n’ roll. Ella tenía 17 años, y era una remilgada rubia británica que despertaba fantasías aristocráticas. Andres Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, se le acercó en una fiesta donde había integrantes de los Rolling Stones y los Beatles, y le aseguró: “Voy a convertirte en una estrella, ¡y eso es sólo el comienzo, nena!”.
    En las siguientes décadas, Faithfull vivió una multiplicidad de vidas, navegando y, a veces, al borde de ser destruida por una energía extática que ella ayudó a desatar. Ella era “la chica del momento” [It Girl]. Una figura ingenua del pop en 1964, una estrella en 1965, un tórrido romance de una noche de Richards en 1966, la musa y pareja de Jagger durante varios años, la cantante que rechazó a Bob Dylan, Miss X en la famosa redada en la casa de Richards en Redlands en 1967, la mejor amiga de la modelo Anita Pallenberg; amante de la magia negra y los alucinógenos. Probó y tocó todo lo que fascinó a su generación de baby-boomers. “Siempre fue percibida como una mujer muy valiente, muy genial, que se inventó a sí misma”, dijo la actriz británica Charlotte Rampling. “Siempre fue ella misma, sin seguir ningún molde, y es muy impresionante cuando una persona puede vivir de esa forma”.



    Para Faithfull, el período posterior al intento de suicidio fue un cambio de las drogas expansivas a los somníferos, de una búsqueda experimental a la búsqueda de insconciencia, de escape. Un desastre personal para Faithfull, la resaca posterior a los años ‘60 fue parte también de un sentimiento generalizado de malestar: Vietnam, el Watergate, la OPEP. En un momento, Faithfull se volvió muy autodestructiva. En sus memorias, recuerda una conversación que escuchó entre Jagger y Ahmet Ertegun, el fundador de Atlantic Records. “Hay una sola cosa por hacer”, le dijo Ertegun a Jagger. “He visto a muchos hombres con el corazón roto por culpa de drogadictas. Arruinan la vida de todos los que están a su alrededor. Es un agujero sin fondo y te arrastrará al menos que la dejes ir”
    ANITA PALENBERG

    SIEMPRE FUE ELLA MISMA
    AMANTE DE LA MAGIA NEGRA UN ICONO DEL IT GIRL LONDINENSE DE LOS AÑOS 60. 





    ANITA EN BARBARELLA Y CON PELO NEGRO


    Fuente: THE WALL STRET JOURNAL - By:  Riche Cohen

    CHICAS : IT LONDON 

    de décadas posteriores siguieron las tendencias de las MUJERES LONDINENSES

    KATE MOSS






    ANITA ALVAREZ DE TOLEDO 

    Argentina - cantante , corista de Ceratti y

     Gloria Gainor DJ y referente de LA 

    MUSICA Y LA ESTETICA VINTAGE 

    VANGUARDISTA 



    CARA DELEVIGNE IT GIRL LONDON 

    ACTUAL (2014-2015)